Old School, aber eingängiger als das erste Album »Yo! Bum Rush The Show« und schon damals harten Gitarren nicht abgeneigt.

• Black Steel In The Hour Of Chaos
• She Watch Channel Zero?!
• Don’t Believe The Hype

Rap steigt auf in den Olymp kommerzieller Verwertung und läuft auf MTV von nun an in einer Endlosschleife.

• Fight The Power
• Burn Hollywood Burn feat. Big Daddy Kane und Ice Cube
• 911 Is A Joke

• New Whirl Odor (MP3)
• Superman’s Black In The Building
   
  und mein derzeitiger Favorit
• Put Yo Hands In The Air
   
  »Make love fuck war. Power to the people, ’cause the people want peace.« Mächtiges Video.

• Black is Back, erinnert sich jemand an AC/DC?
• Sex, Drugs & Violence feat. KRS One
• Frankenstar (MP3, 30 Sek.)
• Escapism (iTunes-Store)
   
  und als Bonus 20 Jahre in 6 ½ Minuten mit oben angesprochener Textstelle:
• The Long And Whining Road
  Was für eine Ode an sich selbst.

In Summe ist es das wichtigste PE-Album. Sprachgewaltig und zeitlos.

• Shut ‘Em Down
• By The Time I Get To Arizona
• Can’t Truss It
• I Don’t Wanna Be Called Yo Niga (iTunes-Store)
• Nighttrain (Remix von Pete Rock)

Der Ärzte »Zu Spät« auf Englisch und gut. Schwer zu verstehen, bei dem ganzen geklimper, aber man kann es ja nachlesen: »If you really wanna see me, check the papers and the tv. Looks who’s telling who what to do.« Das ganze in der Dreier-»Five«-Besetzung schnell und ein wenig funky eingespielt.

Das schnelle Klavier am Anfang verschwimmt zu einer leichten, sanften Melodie. Die Foldsche Stimme setzt ein, ein paar »Badada«s kommen dazu. Ein junges Pärchen aus dem Südwesten. Auch wenn man es nicht (gleich) versteht, es macht schon sinn, was er uns sagen will. Und diese Melodie und Stimme, die es einem erlaubt, die aufmerksamkeit von 50 auf 100 Prozent zu verstellen, wann immer man will.

Neben einem der größten Albumtitel der letzten Jahre besticht dieser Song durch die Dynamik, schnell, laut, leise, ruhig — gleitendes Piano, Stilwechsel und noch viel mehr. »I’ve been thinking a lot today.« Ganz egal, ob Folds nun wirklilch in der Armee war oder nicht: Darüber sollte man mal nachdenken.

Hier startet der Gesang vor der Melodie und entblößt die zerbrechliche Schönheit Folds Stimme. Dann treibt das Piano, die Drums und der Bass und machen aus dem Stück wohl das Vorzeigeexempel der Triozeit: Harmonien, gegenseitiges Antreiben, Jazz, Funk: »punk rock for sissies«

Die eigene Tochter ist Thema dieses ruhig vor sich hintreibenden Songs. Nur das Piano trägt die Stimme, wiegt sie sanft hin und her, von dur nach moll, von langsam zu Pause. Immer wenn es persönlich wird, kommt dieses Gänsehautgefühl, das auch »Late« begleitet, ein Tribute an den viel zu früh gestorbenen Elliott Smith — der Gerüchten zu Folge hörte er eine Platte seines guten Freundes Ben Folds, als er sich das Leben nahm. Zurück aber zu Gracie: Hätte mein Vater ein Lied über mich geschrieben, und wäre das Resultat auch nur halb so schön wie dieses: Ich würde ihn lieben. Und dieses Lied.

2001 erregten Slut größere mediale Aufmerksamkeit, als diese Single vom »Lookbook« auch im Mainstreamradio auftauchte. Auch auf meinem Radar war es der erste Slut-Bleap, der mich aber sofort anfixte und zu einem Album führte, das nicht minder schön ist als dieser Song: Melodien, die melancholisch über zarte Arrangements gleiten, das Werk in einem Guß erscheinen lassen und doch ab und an aus dem Rahmen fallen.

War voriger Song für viele der Slutdurchbruch, so konnten sie doch mit diesem hier noch etwas mehr Zuschauer erreichen: Er wurde auf dem Raabschen Bundesvision Songcontest gespielt, floppte dort aber dank völlig anderer Zielgruppe trotz Kinderchors. Und wenn Songs einen berühren, weil der Inhalt so alltagstauglich ist, kann das ja erstmal nichts schlechtes sein. »I think I like you, but not enough.« Sometimes, it just feels this way.

Da sind sie, die Schreie: Zumindest ich verstehe kein Wort, was dort geschrien wird, Aber das braucht es auch nicht. Und sie stören auch nicht, sondern stellen ein Ausrufezeichen hinter das, was die Melodie parallel vorgibt. Melodiöser wurde zuletzt in Zeiten von Rage geschrien.

Ingolstadt ist nicht weit von Weilheim entfernt, und da verwundert auch die klangliche Nähe mancher Slutstücke zu Werken aus dem Hause Notwist nur wenig. Sehr ruhig, mit der Titelzeile als Begleitgesang über die gesamten dreieinhalb Minuten, mit ein wenig E-Piano und leisen Becken- und Bassschlägen im Hintergrund, so dass das Lied trotz der Zärte doch nie zerbricht.

Da wird das Tanzbein von harten Gitarrenschlägen getrieben, eine klassische Songstruktur (leise/laut, Strophe/Refrain) umhüllt dieses Meisterwerk, dass auch zu den besten Stücken zählen würde, die Placebo je geschrieben haben (wenn Placebo es denn geschrieben hätte). So ist es ein Slutsches Meisterwerk, so rund wie die Ringe eines Audis und doch so kantig wie dessen Singleframekühler. Johnny erwähnte neulich bei ABCs »The Look Of Love«, dass gute Songs ohne eine Eröffnung durch den Refrain auskommen. Gut aufgepasst, werte Slut.

Es gibt diesen Moment, der das schöne zum bitteren werden lässt, der die Wagschaale herunterbefördert und alles blöd aussehen lässt. Richard Ashcroft sang dafür seine »Bitter Sweet Symphony«, the Robocop Kraus dieses Lied, das die Stimmung zum Inhalt zum Titel gemacht hat.

Wortspielunsicherheit ist wohl das Wort, das noch nie in einem Robocop-Kraus-Review auftauchte. Denn es hat dort auch nichts zu suchen: »In Fact, Your Just Fiction«, »There Are Better Lights In Hollywood« oder eben dieses Stück zeigen neben Wortwitz auch noch, das man kleine Geschichten in kurzen Songs erzählen kann, ohne Melodie, Tanzbarkeit und viel mehr zu opfern.

Was The Arcade Fire letztes Jahr herausgebracht haben, war ein Meisterwerk, das bei mir leider erst so richtig groß geworden ist, nachdem ich meine Jahrescharts aufstellte. Dabei ist da ja auch ein Klanghauch von Nihil Disco zu hören, das zudem noch mit dem Universalzitat für dreckige Tage aufwartet: »All the happy people should be smashed to smithereens!«

Die Hardcorevergangenheit ist hier noch deutlich zu hören, die Gitarre entflieht des öfteren der Melodie, um sich wahlweise ein paar harten Riffs oder ein wenig dem Funk zu widmen. Aber der Hang zum Pop ist trotz durchaus vorhandener destruktiver Elemente klar zu erkennen, der Weg sozusagen geebnet, um die besungenen tanzenden Mädchen bei ihrer Lieblingsbeschäftigung zu begleiten.

Handclaps, Marching-Band-Sound, ein wenig obskure Orgel dazu, und ein Sänger, der sich das ganze Lied über selbst wiederspricht. Und das ganze klingt nach Tanzbarkeit, England (englisch ausgesprochen), NYC und dem ganzen heißen Scheiß, der jetzt grade die Länder übervölkert. Und hat darin eindeutig seinen Platz verdient.

Die neue Single verspricht Großartiges. Gewohnte Harmonien gleich am Anfang, bevor’s zum typisch schwebenden Refrain kommt, der über alles erhaben ist. Ashcroft-Fans lieben das Lied nach spätestens 3 Takten, das ist klar.

Songs, in dessen Lyrics multiple »Yeah«’s (oder »Na«’s) auftreten, sind selten langsam. C’mon People ist dementsprechend eins der schnelleren Stücke, was nicht heißen muss, dass es rennt oder hetzt. Es bleibt entspannt, »I feel fine now«.

Wahrscheinlich genau das Lied, das den Charakter Ashcrofts am deutlichsten wiedergibt. Check the Meaning ist Richards Street Fighting Man, sein Waterloo oder All You Need Is Love. Besondere Empfehlung der anwesenden Top 5-Redaktion: der Chris Potter Remix (leider nicht im Shop verfüg- und reinhörbar), der reduziert schwingt und das Lied knackig auf den Punkt bringt, ohne dabei an Eleganz zu verlieren.

Diesmal gleich die Empfehlung vorab: die Acoustic Version (leider nicht im Shop verfüg.. you know) ist das besondere Highlight. Das Original hingegen wirkt zu verspielt und aufgeblasen. Und dennoch ein großartiger Song mit viel Seele, die akkustisch gespielt ihre nötige Aufmerksamkeit erhält. »Something in the air tells me the time is right so we better get on«..

Für viele Menschen der schönste Popsong aller Zeiten, über den man auch in 50 Jahren noch sprechen wird. Und wieder ist klar: ohne die Stimme ginge es nicht. Darum geht’s hier, klar. »I let the melody shine, let it cleanse my mind, I feel free now.«

Entweder/oder-Aussagen sind ja seit the Clash beliebtes Stilmittel der Titelgestaltung. Hier im gut gemeinten und rotzig vorgetragenen Hinweis an eine Freundin, sich entlich zu entscheiden, sonst geht eh alles den Bach herunter. Und der Sound bringt genau dieses »liebevoll zuwenden« — »Rat wütend vortragen« passend rüber.

Der Titel- und Ersttrack des Debütalbums steckt gleich erstmal die Grenzen des Strokessounds ab: Ein Pfosten links (Verzerrer im Gesang), einer rechts (nölige Stimmlage), vorne (getragene, ja genudelte Gitarren), hinten (schmückendes Beiwerk: Schlagzeug, Bass). Und auf diesem Mini-Grundstück wird gleich mal ein Hochhaus gebaut, das man aus den Einzelkomponenten nie vermutet hätte.

Charakteristisch für das zweite Werk ist passenderweise das zweite Stück von ebenjenem. Das eben erwähnte Beiwerk geht nach vorne, die Stimme ist nicht mehr ganz so gelangweilt, die Gitarre trägt richtige Melodiebögen vor, und der Erstling wird gerne zitiert (»Take me, now leave me«).

Der Tanzbodenkracher schlechthin. Ich weiß nicht, wie viel Schweißverlust ich diesem Lied zu verdanken habe, aber das m vor der l-Skala kann getrost gestrichen werden. Direkt aus dem Plattenschrank der Eltern geklaut, möchte man meinen — und viele denken bis heute noch, dass sowas nur ein 1:1-Cover sein kann. (Sich bedienen heißt übrigens nicht klauen, everyone!) Der Mitwippreflex jedenfalls ist spätestens nach zwei Tönen initialgezündet, und wer sich hier nicht gehen lassen kann, sollte dringend zum Psychater.

Nicht extrem tanzbar wie Last Night, auch nicht so stilwechselnd wie Reptilia, dazu noch billige Claps und ein einfacher Hook. Aber wie sagte schon Olli Schulz: Du brauchst diese Hookline! Und hier ist sie, vielleicht der Prototyp aller Hooklines, die einen einhüllt in den dünnen Faden dieses kurzen Songs, der einem danach nicht mehr aus dem Kopf will.

Wer schon immer wissen wollte, wie populärsein funktioniert, bekommt hier eine Anleitung, die, eigentlich untanzbar, trotzdem in keiner Indiedisko fehlen darf. Das ganze ziemliche simpel gehalten, kann man sich wunderbar auf den Text konzentrieren. Beinahe (und darum sind wir froh) wäre das Lied zum Soundtrack eines Onehitwonders geworden…

Vom Zweitwerk der Band gibt es nur schwieriges zu berichten: Zu wenig eingängig, zu wenig hitpotential, deshalb nur in Europa veröffentlicht. Dabei hätten sie mit Amateur schon einen perfekten Hymnenpopsong geschrieben — wenn nicht noch bessere gefolgt wären.

Der Opener, einfach mit Gitarre und Gesang, trägt den neuen Geist der »Let Go« ins Wohnzimmer des Hörers. Und sagt mit »but in the middle of the night i worry it’s blurry even without light« mal eben, warum es manchmal eben so ist.

Schlagt mich, aber ich höre hier Coldplay in gut durch. Ähnliche Songstruktur, markante Stimme und dann diese lauter werdenden Stellen. Natürlich viel besser, besser viel natürlicher. Der Name des Albums »Weigth Is A Gift« kommt hier zum vorschein, und der Hörer ist verzaubert.

»everyone else rushing round I’ve got blonde on blonde on my portable stereo« Ja, mit Musik ist es anders. Und da kann Gewicht auch mal ein Geschenk sein. Kaufen/Hingehen/Mögen!

Das ich lieder über zurückgelassene Städte mag, weiß ich ungefähr seit Tocotronics »Gott sei Dank haben wir beide uns gehabt«. Hier ein weiterer Vertreter dieser Songgattung, der von Vereinsamung und TV-blauen Vorhängen erzählt.

»You might role your eyes at this, but I’m so glad that you exist.« — So hört es sich an, wenn man sich auch noch liebt, selbst wenn der erste Putz von der Fassade des Partners gebröckelt ist, die ersten Streitigkeiten überstanden und doch immer spürbar bleiben.

Der Fuß wippt mit der Gitarre im Takt, und wir erkennen uns, alleine, frisch verlassen, erschrocken von jedem Telefonklingeln, sich etwas stark auf Ironie und Alkohol verlassend. »And I’m leaning on this broken fence between past and present tense. And I’m losing all those stupid games that I swore I’d never play — but it almost feels okay.«

Ironie hatten wir ja schon, Stadtsongs auch — an dieser Stelle kombiniert zu einem zweigitarrigen, langsamen Akkustikstück, der diese Storytellerstimme perfekt herausbringt. »I hate Winnepeg!«, und wir glauben ihm, dass die Stadt hasswürdig ist, wenn die Routine einzug erhält, die Jets wieder veloren haben und man zum hundertsten Mal den gleichen Weg geht.

Als linker Protestler hat man es schwer heutzutage: Keine großen Antikriegsdemos, 68er-Studenproteste oder ¬ß218-Gerangel, denen man sich einfach anschließen könnte. Dazu hat man es auch noch leicht: Zu dem Futonbett gesellen sich moderne Annehmlichkeiten wie Internet und Sofa, man ist schließlich modern und links. Klar, man ist dagegen — aber wogegen eigentlich genau? Sollen wir etwa »We shall Overcome« singen? Nein, dann lieber die Weakerthans. Und nachher verlasse ich meine Wohnung, um Alkohol zu kaufen. Versprochen.

Billiges Händeklappern. Eine Hookline, rauf und runter gespielt. Beim Produzieren wurde anscheinend darauf geachtet, das Rauschen noch weiter in den Vordergrund zu mixen. Der Gesang — eine Mischung aus nasalem Gesang und nasalerem Geschrei. Noch was? Ach so: The Twist, The Tanzbarkeit. Ein hämmernder Bass- und Drumbeat. »Energie!«, um mal Herrn Enterprise zu zitieren. Großartig — der Durchbruch, was die Indiedisko angeht und immernoch auf keiner (guten) Party fehlen darf.

Wer braucht schon Dreiminutensongs, wenn man auch in einer davon einen Nazislogan verarbeitenheizen kann? Der Kopf zuckt unweigerlich mit, auch wenn außer der deutschen Textzeile nichts verstanden wird. Mehr Brakes, mehr Solos und mehr Drums gehen in einer Minute eigentlich nicht.

Was dem ARD-Zuschauer seine Dieter-Thomas-Heck-Musik, lässt hier die Indieherzen schunkeln. Sie können auch ruhig, besonnen, ja natürlich: zerbrechlich. Das fängt schon mit der Gitarre an, leise angeschrammt und ein wenig über das Becken gestrichen. Den Text etwas von Cher geklaut — und über die »Cruel cruel world« haben auch schon andere gesungen. Trotzdem eingehakt und mitgewippt, denn man soll schließlich niemals nie sagen…

Was für ein Opener! Allen Bewunderern von Album eins und Skeptiker vor Numero Zwei dürfte sich nach ca. drei Takten (bei Wigger warens garantiert nur zwei) die Kinnlade in ein Scheunentor verwandelt haben. »You can’t stand me now!« sangen sich die beiden Streitköpfe zu. Und man wusste, das es Ernst war. Und doch so viel Liebe darin mitschwang, dass eigentlich klar war, dass es schiefgehen muss.

Damals, beim ersten Album, da wurde die Band noch hoch gehalten. Und die Fans, beziehungsweise das Fansein. Man muss nicht guter Musiker sein, um gute Musik zu machen. Man muss auch nicht wissen, wie der perfekte Popstar-Dreiklang lautet (Gis-Dur, für Kenner. Oder so…). Statt dessen lebt und liebt man die Musik, dann kann nichts schiefgehen, außer vielleicht dem eigenen Leben.