Nicht nur, dass ich den Titel demnächst laut gröhlend vor mich hinsingen werde, während ich den Einfluss von Alter auf die Trinkfestigkeit austeste. Sondern auch das: »Ich bin zu jung, um meine Biographie zu schreiben, und zu alt, um ewig jung zu bleiben.« Philosophie inklusive »Ooooooaaaaaahhhhhhhhh« und Geschrammel auf glatten 2 Minuten.

Yes, this is Pop. Oder Stadionrock, wie man das auch nennen will. Inklusive mit den Zähnen auf den unteren Saiten herumnudeln. Und als Aussage (ausnahmsweise) nur die, dass wir doch auch tocotronic sind. Quasi die Fortsetzung der Jugendbewegung mit Massenkompabilität. Was nichts böses ist.

Ihre Instrumentenvirtuosität, Stimmbeherrschung und der Hang zu Melodieverliebtheit hat die (alten) Tocotronicplatten sicher nicht geprägt. Stattdessen war es der Text, der in Verbindung mit der Musik irgendwie genau das ausdrückte, was man selbst in trauter Zweisamkeit mit seiner Bierflasche (oder Freundin) empfand. Und hier: Das Warten auf, das Wissen von, der Herbeisehnen eines der schönsten Refrains, den Rockmusik zu bieten hat. Gewartete Ewigkeit, gestoppte anderthalb Minuten.

Kritik, die daraus besteht, alle schönen, kleinen Dinge aufzuzählen, die man so sehr mag, um dann ein Alles Scheiße! hinterherzurotzen, kann eigentlich nicht funktionieren. Eigentlich. Weil wir wissen, was sie wirklich sagen wollen — beziehungsweise, was sie nicht sagen wollen, geht das sogar sehr gut, wenn auch nicht mehr mit Geschrammel, sondern im Tagtraummodus.

»Du siehst ja selber hier verändert sich nichts groß« — Ja! — »Nur die eine Kneipe, wo man hingehn mag.« — Ja! — »Gott sei Dank, haben wir beide uns gehabt!«… Eine Ode an die Freundschaft, gegen die Spießigkeit der Masse, über Kleinstadtmief und Berlinhass. Wer da nichts wiedererkennt, hatte vielleicht eine bessere, aber auch deutlich langweiligere Kindheit. Bei mir trifft jede Zeile, so dass ich in entsprechender Gemütslaune auch gerne sentimental werde. Tipp: in der Rockversion der 10^th Anniversary anhören.

Funk! Hier hört man dessen Einflüsse sehr deutlich und bemerkt auf Anhieb die sehr tanzbare Hookline. Beinahe pobbeli-positiv partytauglich. Jedoch befindet sich die besagte Wut im Bauch, die jederzeit mitschwingt, gebündelt in den Lyrics: »Raise your fists and march around [..] I protect it with fire«.

Das Intro erinnert an Puffy-oho-yeah-da da-Daddys Godzilla-Verschnitt des alten Led Zeppelin-Klassikers »Kashmir«, bevor es radikal umschlägt und die für Rage typische Bassline annimmt. Dynamischer Höhepunkt in der Mitte des Tracks (»I think I heard a shot«), kurzes Durchatmen, lauter Abgang.

Einer der bekanntesten Songs, der mit einem langen Bass-Intro beginnt, um dann genau das zu bieten, was so typisch für die Band ist: der extrem harte, sehr einprägsame und dabei beinahe funkige Sound, der nicht stampft (wie z.B. bei Rammstein), sondern springt. Kein fröhliches »Jump, jump!«-Springen und kein unbeholfenes »Eee-xit light«-Gehüpfe. Nein, das ist Capoeira.

Mächtig viel Wut im Bauch, die man stakkatoartig auskotzt rausschreit. Gegen das kapitalistische System, gegen korrupte Regierungen und in diesem Fall gegen Krieg und den Einsatz von Soldaten (»Some of those that were forces are the same that bore crosses«). Eine Aufforderung zum gestreckten Mittelfinger: »F..k you, I won’t do what you tell me!«

Im Original von Afrika Bambaata. Once again und wie der Name schon sagt: Funk. Ihre politischen Absichten waren von Anfang an eindeutig. »We’re on this musical mission to help the others listen and groove from land to land singin’ electronic chants like Zulu nation.« Dass ihre Musik ebenfalls so eindeutig war, machte sie kraftvoll und schwer verdaulich. Das muss man nicht mögen, kann man jedoch respektieren.

Schon auf Platz fünf zeigt sich ein typischer R.E.M.-Song: Die Stimme, nicht die beste, aber sicher eine der charismatischten im Geschäft, trägt das ganze Lied. Leichte Drums, leichte Gitarre, ein paar Arrangements im Hintergrund, sowie die zweite Stimme von Mike Mills, aber alles eher schmückendes Beiwerk. R.E.M. lebt von großartigem Songwriting und Charisma, nicht von ausgetüftelten Frickeleien.

Ein Vertreter der typischen College-Rock-Richtung der frühen Alben. Auch hier gilt: Alles andere außer der Stimme klingt ersetzbar, aber erst das Zusammenspiel in dieser Art macht diesen Klang so trocken und gut. »Setting trap for love, making a waste a time, sitting still.« und »I’m the sign and you can read.« — so fühlt sich das manchmal an, leider.

Da ist sie, die Gänsehaut. Unbeschreiblich schön, aber ich versuch es trotzdem: Die Einfachheit von Melodie (wunderschönes Klavier) und Stimme, die über das singt, was man unbedingt mal getan haben sollte (Nachts baden), und hintergründig über den Verlust durch Alltägliches (»These things, they go away, replaced by everyday.«). Und was hat man nicht alles getan zu diesem Lied, von Küssen bis Weinen war alles dabei.

Am Ende jeden R.E.M.-Konzertes steht dieses Brett von einem Song. Lange bevor Eminem irgendwelche Textstücke zu »Rap« zusammensetzen konnte, singt Michael Stipe in einer Geschwindigkeit, die jeden Möchtegern-Aggroer vor Neid erblassen lässt. Ein wunderschönes Lied über Neuanfänge, verdammt gut tanzbar in der Indie-Disko ihres Vertrauens.

Aus der völlig unterschätzen Post-Automatic…-Era mein absoluter Lieblingstrack. Wie bei allen großen Liedern ist es nicht irgendein Moment (ja, da gibts einige) oder irgendwelche persönlichen Bindungen (Bingo!), sondern vor allem der Song, der einen so rührt, das man vor Freude weinen möchte. Und auch hier: Die Stimmung, die beschrieben wird, kennt man aus der Sendung called Real Life.

Auf der polnischen Raubpressung eines Freundes wurde der Titel des Albums (passend zu Nō 4) um die Worte »(The Best)« doch recht passend ergänzt. Ein Debütalbum, das sich dem Gehype (und auch der Qualität!) heutiger Newcomer (die gerne von den Gallaghers mit abfälligen Bemerkungen bedacht werden) in nichts nach. Und ein Song, der durch eine träumende Linie und treffenden Text besticht, der nicht passender hätte sein können für manchen tragischen Verlust.

Nach reiflicher Überlegung war es doch der Übersong des vielleicht besten Albums der 90er, der hier hin musste — Perlen wie »Don’t Look Back In Anger« oder auch das epische »Champagne Supernova« mögen alleinstehend größere Songs sein, aber nichts drückt die Perfektheit des Albums besser aus als dieser Song. Dieses Abschließende, die Unbestimmtheit, die Einfachheit der Aussage (und der Musik). »Maybe, you’re gonna be the one that saves me.« Wann haben wir das das letzte Mal gefühlt? Und wann waren wir zuletzt so glücklich?

»If I’ll stumble, catch me when I fall, ‘cause baby, after all, you’ll never forget my name.« Nein, wir vergessen euch nicht. Sondern singen und rocken mit, bis das Haus zusammenfällt. Und ja, wir würden euch vermissen, auch wenn euch das (angeblich!) nichts ausmacht.

Zugegeben: Wäre die Liste nicht chronologisch/albumbiographisch sortiert, wäre wohl kein Song der SOTSOG hier gelistet, auch nicht dieses doch recht schöne, langsame Lied, das mich in Teilen leider an Boyzone erinnert… Klassischer Tiefpunkt einer Band, nach drei großen Alben (und noch vielen kommenden) aber sicherlich verkraftbar. Immerhin mit einem großartigen Newton-Zitat als Titel und dem Eröffnungssong (nicht nur dieser Liste) als — richtig — Eröffnungssong.

Die Auswahl fiel ähnlich schwer wie bei Nō 2, allerdings am entgegengesetzen Ende der Qualitätsskala. Es wurde (wieder einmal) ein eingängiges Liebeslied mit viel Geklatsche & Geklapper, ein wenig Gitarre und einem bittersüßen Text, das auf jedes Mixtape gehört, das einer neuen Freundin gemacht wird.